Ejercitación de Rutina para manos.

 

En la primera revista especializada de nuestro país “Drum Tips” (1992), dirigida por mi amiga Iris Etcheverry, el maestro Joe Santoro publicó el artículo “Armando la caja de herramientas”, planteando la importancia de incorporar ejercitaciones específicas en la formación del músico. A través de un paralelismo con la carpintería, expone cómo a partir de herramientas básicas, distintos niveles de organización, conocimiento y entrenamiento pueden derivar en resultados significativamente diferentes en términos de calidad. Durante un seminario del Berklee College of Music realizado en Buenos Aires en 1996, el maestro Fernando Martínez subrayó la relevancia de incorporar rutinas de estudio dentro de la práctica diaria con objeto de optimizar el rendimiento general del intérprete. Las ejercitaciones de rutina son fundamentales para cualquier baterista y percusionista porque constituyen la base técnica sobre la cual uno construye el resto. Su objetivo no es solamente “practicar”, sino desarrollar un lenguaje preciso y eficaz.

En primer lugar, permite memorizar y automatizar la mecánica. Cuando los movimientos son internalizados, uno deja de pensar en “cómo tocar” para concentrarse en “qué tocar”. La repetición constante fortalece la memoria muscular, permitiendo reducir variabilidad en la ejecución: mayor control dinámico, uniformidad sonora y firmeza rítmica. Una rutina consecutiva contribuye a la nitidez, consistencia y resistencia, cumpliendo un rol muy importante en la prevención de tensiones y lesiones. Trabajar las manos ordenada y progresivamente ayuda a optimizar la economía de movimiento, evitando esfuerzos innecesarios. En segundo lugar, establece un marco de disciplina y enfoque. Tener una práctica estructurada genera continuidad en el aprendizaje, permite medir el progreso creando un espacio donde la técnica evoluciona de manera consciente, en lugar de depender únicamente de la repetición ocasional. No es un fin en sí mismo, es una herramienta esencial que sostiene, ordena y potencia nuestro desarrollo musical.15 páginas.

Valor: $ 10.000.-
Banco Provincia: clasesconquique.bp

El Arte del Drumming. Un poco de historia...

 

"Hay que conocer el pasado para entender el presente" Carl Sagan (1934 - 1996)

La batería ha evolucionado constantemente desde sus raíces en el jazz tradicional hasta convertirse en un instrumento central en una amplia variedad de géneros musicales alrededor del mundo. A lo largo de su desarrollo, no solo cambió su función dentro del ensamble, pasando de un rol principalmente acompañante a uno mucho más expresivo y protagonista, sino que también se expandieron sus posibilidades técnicas, sonoras y estilísticas. Cada era musical aportó nuevas formas de entender el ritmo, incorporando innovaciones en la coordinación, la independencia de miembros, el uso dinámico del set y la interacción con otros músicos. Desde los primeros enfoques rudimentarios hasta los lenguajes más complejos del jazz moderno, el rock, la fusión y estilos posteriores, la batería ha sido moldeada por generaciones de músicos que empujaron los límites del instrumento, desarrollando nuevas técnicas, conceptos rítmicos y enfoques creativos que redefinieron su papel dentro de la música. Estas transformaciones no ocurrieron de manera aislada, sino en diálogo constante con la evolución de los géneros musicales y las necesidades expresivas de cada época. Cabe destacar que esta recopilación no pretende ser exhaustiva ni incluir a todos los bateristas influyentes que han contribuido a la historia del instrumento. Trata de una selección representativa de figuras clave en cada etapa histórica, elegidas por su impacto, innovación y aporte al desarrollo del lenguaje de la batería en distintos contextos musicales. ¡Disfrutenlo!

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Parte I - Primeros años (1900 - 1930) - 4 páginas.
Parte II - Era del swing (1930 - 1940) - 7 páginas.
Parte III - Be Bop (1940 - 1950) - 4 páginas.
Parte IV - Cool Jazz & Hard Bop (1950 - 1960) - 7 páginas.
Parte V - Free Jazz & Rock 'n Roll (1960 - 1970) - 30 páginas.
Parte VI - Jazz Rock & Progressive Rock (1970 - 1985) - 30 páginas.
Parte VII - Mainstream & New Wave (1985 - 2000) - 23 páginas.
Parte VIII - Contemporáneos (2000 hasta hoy) -  23 páginas.

Total: 128 páginas.

Tips para crecer en tu forma de tocar...

 

- Los estilos son lenguajes: No son solo ritmos; cada género tiene historia, sonido, articulación y forma de interpretarse.
- Tu sonido es tu identidad: Afinar y trabajar el audio del instrumento es parte de quién sos como músico.
- Escuchar siempre: A otros músicos, a la banda y a vos mismo. Grabarte ayuda a mejorar con más objetividad.
- Tocar en grupo: La música es colectiva; hacer sonar mejor a los demás mejora el resultado general.
- Transcribir para aprender: No es copiar, es entender, analizar e incorporar lenguaje musical.
- Practicar con sentido musical: La técnica sirve cuando está al servicio de la expresión.
- Pensar en música, no en el instrumento: Escuchar la obra completa y tocar en función de eso.
- Ir más allá del estudio: Los métodos ayudan, pero la música se construye escuchando y tocando.
- Tocar es la meta: Practicar es el medio para lograr una mejor interpretación.
- El pad es complemento: Sirve para la técnica, pero no reemplaza al instrumento real.
- No somos metrónomos: El tiempo no es solo exactitud, es pulso vivo, con matices y expresión.
- El metrónomo es referencia: Útil para medir, pero el verdadero timing se construye tocando y escuchando música.
- La música es invisible: La partitura guía, pero la interpretación está en lo que no está escrito.
- Musicalidad vs. exhibición: No se trata de impresionar, sino de aportar al resultado musical.
- Tu identidad importa: No es competir con otros, es desarrollar tu propia voz.
- Integrar la voz: Si podés cantar lo que tocás (y viceversa), estás haciendo música de verdad.
- Practicar vs. tocar: En el estudio explorás; al tocar, servís a la música.
- La batería es física: Sonido, rebote, movimiento… entenderlo mejora tu técnica y evita errores.
- Dinámica: Es clave para dar forma, contraste y sentido a la música.
- La práctica crea hábitos: No garantiza perfección; repetís lo que practicás. Hacelo con intención musical.
- Elegir bien el equipo: El sonido empieza en lo que usás. Calidad, afinación y mantenimiento hacen la diferencia.
- “¿Qué pasaría si…?” Preguntarte eso abre la creatividad y te saca de lo automático.
- Espacio y silencio: No todo es tocar; dejar aire también es hacer música.
- Tocar con otros: Es clave para crecer: escuchar, adaptarse y entender el rol.
- Intención al tocar: No es solo qué, sino cómo. Sonido, fraseo y feeling lo son todo.
- Fills y solos: Solo si la música lo pide. Menos puede ser más.
- Volumen: Tocar dentro del sonido del grupo, no por encima.
- Tradición: Venís de una historia. Aprenderla y respetarla también es parte del camino.
- Trabajar tempos: No todo funciona igual en distintas velocidades. Practicá variado.
- Aprender siempre: No hay meta final. Curiosidad, escucha y apertura constante.

El groove...

 

El groove es una de esas cosas que todos sienten, pero que cuesta explicar con palabras. En la batería, es, básicamente, la forma en que uno hace que el ritmo “camine”, que se sienta natural y que invite al cuerpo a moverse. Algunos sinónimos que suelen usarse son fluidez (cuando el ritmo fluye de manera natural), flow (muy común, incluso en castellano), cadencia (la manera en que el ritmo se desarrolla), “ritmo con onda” (en un registro más informal) o, según el contexto musical, términos como swing, “sabor” o pocket. Dos bateristas pueden tocar exactamente el mismo ritmo, pero uno sonar plano y el otro “tener groove”. La diferencia suele estar en micro variaciones del tiempo (ligeramente adelante o atrás del beat), en las dinámicas (notas más fuertes o más suaves) o en la articulación (la forma en que se golpea cada elemento). También es común caer en el error de pensar que más notas equivalen a un mejor groove. Como vemos, ninguna palabra puede reemplazar por completo. Podría decirse que el groove es una mezcla de fluidez, intención y pulso que hace que la música cobre vida. (Igual que mi perrito Groove, hace que la casa cobre vida)...

Émile Jacques - Dalcroze (1865 - 1950)

Investigando sobre las raíces del ritmo, hace algunos años me encontré con Émile Jaques-Dalcroze, a quien la historia reconoce como el primer educador en colocar al ritmo como elemento central del aprendizaje musical. A comienzos del siglo XX, desarrolló la euritmia (Eurhythmics), un método pedagógico revolucionario que propone aprender la música a través del cuerpo. Este enfoque sostiene que el ritmo se incorpora primero de forma física, no intelectual. En este sentido, Steve Gadd representa muy bien el concepto: evita tocar de manera mecánica y, en cambio, conecta profundamente su cuerpo con el ritmo. En una definición del autor, encontré la idea que estaba buscando. Desde entonces, para mí el groove es una instancia musical en la que todos los elementos que la componen están en perfecta armonía.

A mí me sirve. Espero que a vos también.

Groove custodia el DdC...