Consejos para los jóvenes estudiantes de música por Robert Schumann.

 

Robert Schumann (1810-1856) fue un destacado compositor, pianista y crítico musical alemán del Romanticismo, conocido por su música para piano y obras orquestales, como también por su estrecha relación entre música y literatura, siendo muy influyente en su vida y obra. Su carrera musical fue interrumpida por problemas de salud mental que lo llevaron a ser internado falleciendo a los 46 años. Muchos años atrás, mi mamá me obsequió un pequeño libro “Consejos para los jóvenes estudiantes de música” siendo un texto vigente para todos los días de la vida. Después de releerlo muchas veces, hay muchos consejos para poner en práctica. Me pregunté una y mil veces: ¿Qué hubiese ocurrido si Robertito hubiese sido mi profesor de batería? 

1. La educación del oído es lo más importante. Esfuérzate en seguida en reconocer los sonidos.

2. Debes tocar en forma aplicada los rudimentos y otras digitaciones, mucha gente cree que con esto pueden alcanzarlo todo, y pasan hasta su vejez haciendo diariamente muchas horas de ejercicios mecánicos; es como si uno se esforzase diariamente en pronunciar el abecedario cada vez más de prisa.

3. ¡Toca a tempo! La ejecución de algunos es como el paso de un borracho. No los tomes como modelo.

4. ¡No aporrees jamás la batería sin ton ni son! ¡Toca siempre con sentido!

5. Retardar y acelerarse son faltas igualmente graves.

6. Esfuérzate en tocar bien y cuidadamente con ritmos sencillos, es mejor que ejecutar mediocremente otros más difíciles.

7. Toca siempre en un instrumento perfectamente afinado.

8. No sólo debes dominar una pieza con tus pies y manos; debes también poderla tararear sin instrumento. Agudiza tu imaginación de manera que no sólo puedas retener en tu mente la melodía de una composición, sino también su armonía correspondiente. Procura, aunque tengas poca voz, amar las partituras sin ayuda de la batería; aumentará así la agudeza de tu oído musical. Si tienes una buena voz, no dudes un momento en cultivarla, considerándola como el más hermoso don que el cielo concede.

9. Debes llegar a comprender perfectamente una música leyendo la partitura.

10. Cuando toques no te preocupes de quién te oye. Toca siempre como si te escuchara un gran maestro.

11. Si alguien te trae una composición por primera vez para que la toques, léela enteramente antes de ponerte a tocar.

12. Cuando hayas terminado tus ejercicios diarios y te sientas cansado no te obligues a seguir trabajando. Es mejor descansar que trabajar sin gusto y sin ánimo.

13. No difundir las malas composiciones; al contrario, ayuda con toda tu energía a que desaparezcan.

14. No toques malas composiciones ni las escuches a no ser que te veas obligado a ello.

15. Deberás ir conociendo paulatinamente las obras más importantes de los grandes maestros.

16. No te dejes extraviar por el éxito que suelen tener los llamados grandes virtuosos.

17. El elogio del artista debe ser para ti de más valor que el de la muchedumbre.

18. Todas las cosas de moda pasan de moda, y si te dejas arrastrar por ellas, te convertirás en un snob al que nadie tomará en serio.

19. Tocar mucho en sociedad trae más perjuicios que ventajas. Ser condesciende con la gente, pero no hasta el punto de tocar nunca algo que desprecies internamente.

20. Busca entre tus compañeros a los que sepan más que tú.

21. Descansa de tus estudios musicales con lectura, pasear a menudo al aire libre.

22. Detrás de las montañas también vive gente. Sé modesto. Todavía no has inventado ni pensado nada que otros no hayan inventado y pensado antes, y aunque lo hubieras hecho, considéralo como un regalo de lo alto, que debes compartir con los demás.

23. El estudio de la historia de la música, ayudado por la escucha en grabaciones o en vivo de las distintas épocas y géneros, te curará rápidamente de toda vanidad y presunción.

24. ¿Qué quiere decir ser musical? Querido niño, lo principal es un oído fino, una comprensión rápida son cosas que vienen de lo alto, estas condiciones pueden cultivarse y acrecentarse, no encerrándose días enteros como un ermitaño para ejecutar estudios de mecanismo, sino manteniendo relaciones vivas y variadas con la música.

25. Atiende en seguida al sonido y carácter de cada instrumento; trata de grabar en tu oído su timbre peculiar.

26. ¡No descuides nunca el escuchar buena música!

27. Venera lo antiguo, pero abre tu corazón a lo nuevo: No tengas ningún prejuicio contra nombres que te sean desconocidos.

28. No juzgues una composición que acabas de escuchar por primera vez; lo que en un primer momento pueda agradarte no siempre será lo mejor. Los maestros deben estudiarse. Muchas cosas solamente son reveladas en la edad madura. Al juzgar las obras, distingue si se trata de obras de arte o si solamente tienden a divertir a los aficionados. Solidarízate con las primeras, y no te irrites contra las otras.

29. “Melodía”, es el grito de guerra de los aficionados; y verdaderamente una música sin melodía no es nada.

30. Si empiezas a componer, hazlo todo en tu cabeza. Sólo cuando tengas una pieza completamente lista pruébala en el instrumento. Si tu música te viene de dentro, si la sientes, entonces obrará igualmente sobre los demás. Si el cielo te ha dado una fantasía animada, te sentarás a menudo en horas solitarias ante el instrumento como hechizado querrás expresar tu armonía interior, y llegarás a sentirte como transportado a un círculo mágico, más misteriosamente cuanto menos conocido te sea el reino de la armonía. Son esas las horas más felices de la juventud. Guárdate, no obstante, de abandonarte demasiado a una inclinación que te llevaría a derrochar tu fuerza y tu tiempo como quien dice en sombras chinescas. El dominio de la forma, el poder para dar una clara conformación a tus pensamientos, sólo lo obtendrás a través de los firmes signos de la escritura. ¡Así pues, escribe más que dedicarte a ensoñar!

31. Esfuérzate en conocer la vida lo mismo que las otras artes y ciencias. Las leyes de la moral son también las del arte, con la aplicación y la perseverancia llegarás cada vez más alto.

32. Sin entusiasmo, nada puede llevarse a término en el arte.

33. El arte no existe para obtener riquezas. Procura ser un artista cada vez mayor; todo lo demás vendrá solo.

34. Sólo cuando la forma te sea completamente clara comprenderás el espíritu.

35. El aprender no tiene fin.

Respiración diafragmática.

 

Incorporar instantes previos de relajación en forma consensuada, correspondería ser el principio de nuestra actividad de práctica. ¡Relax es la clave!
La respiración abdominal, también conocida como respiración diafragmática, es una técnica que utiliza el diafragma (considerado nuestro segundo corazón) para respirar en forma más eficiente promoviendo una mayor entrada de aire, relajación muscular, reducción de la tensión y mejora de la concentración. Puede realizarse sentado cómodamente sobre una silla (brazos colgando, pies apoyados) o acostado (puede colocarse un) respirando lentamente por la nariz “sacando panza”, y exhalando lentamente por la boca donde el abdomen vuelve a su posición original. Repetir de 5 a10 veces.

Richie "Gajate" García.


En la previa del primer Sabian Show en Buenos Aires, la entrevista fue publicada en la revista Music Shop (N° 40 – Año 1999)

Tu producto más popular es el Gajate bracket ¿Cómo nació la idea?
“Yo estaba acostumbrado a tocar con muchos percusionistas, y un trabajo que tuve en un hotel tocaba congas con un baterista. Había partes que la música necesitaba un cencerro, además de las congas. Así que junté un pedal, partes de madera y construí el primer prototipo (risas). Hablé con la gente de Latin Percussion y salió al mercado. El mío fue el primer modelo, ahora otras compañías lo tienen. Al principio fue algo raro, ahora es más popular”.

¿Cuántos videos tienes editados?
“Tengo dos. Los mismos van de nivel principiante a intermedio con algunos ejercicios para avanzados, se llaman “Adventures in Rhythm” partes 1 y 2. Uno cubre congas y el otro timbales y accesorios. Tengo además tres productos que he diseñado con Sabian: el ride “El salsero” que corresponde a la línea signature; el segundo es “El rayo” que es un platillo con sonajas que lo puedes poner sobre el timbal el tambor de la batería emulando un sonido electrónico; y el último es “La cáscara”. Muchas veces quieres tocar al costado del tom de pie, y en realidad los estás dañando. Diseñé este elemento para poder tocar tranquilo y tener un sonido un sonido más parecido al timbal. Tengo dos cd’s para computadora con loops de percusión para aquellos que componen”.

Para aquellos que desean aprender música latina ¿Cuáles serían los fundamentos que deben aprender?
“Primero, todo músico que quiera aprender sobre la música denominada afrocubana, debe aprender el concepto de clave. Si no entiendes este concepto, nunca vas a poder tocar con el feel correcto. Hay que aprender como la clave funciona en la música, esto se aprende al escuchar porque todos los patrones que tocan los congueros y timbaleros están basado en la clave. Cuando los bateristas practican con metrónomo “tic, tic, tic” solamente te da el tiempo, mientras que la clave te da el tiempo y el sabor que la música requiere. Segundo, comprender la función de cada instrumento en la orquesta de salsa. Por ejemplo, el corazón del ritmo latino es la conga. En un grupo norteamericano, el corazón es la batería y el percusionista se convierte en decorador. En lo latino el que manda es la conga, en el afinque (groove) y en el sabor. El bongocero tiene dos funciones: él toca bongó que es como decir el soprano y el alto en el rango de sonidos, toca junto al sonero (cantante) manteniendo una conversación, pero después tiene que cantar y tocar la campana (cencerro) de mano durante el montuno (estribillo). Entonces es esencial entender que cantante y bongó trabajan juntos por un tiempo, y después cambia a la campana para llevar la música a otro nivel. Porque la magia de la música latina está en la repetición del patrón. Si uno tira golpes al azar, se pierde el afinque. El timbalero es como el baterista de la orquesta, marca el tiempo con la cáscara, toca platillos, cencerros y fills. Todos tienen que entender el trabajo del otro, cuál es su función para no pelear o chocar con la música. Uno de los problemas más grandes que existe es que todos aprenden técnica de conga sin entender como afinca con la clave. Cuando entienden esto, es como una enfermedad que no se va…. (risas).

Hablemos de tácnicas de congas…
“Existe lo que llamo la vieja escuela y la nueva. La vieja es de congueros que tocan sencillo como Mongo Santamaría o Armando Perazza sin añadir redobles o cosas así. La nueva escuela nace con Changuito Quintana, o Giovanni Hidalgo incorporando los rudimentos a las congas, redobles, flams, etc. Además, Giovanni es la persona más fuerte que he visto. Puede tocar 45 minutos a todo volumen, yo en cambio toco 10 o 15 minutos y me tienen que dar oxígeno (risas).

¿Cuál sería tu consejo para bateristas y percusionistas?
“Todo baterista tiene que aprender algo de conga, y todo percusionista algo de batería porque ambos instrumentos son corazones en la música. Y si uno entiende lo que hace el otro cuando trabajan juntos, es como un feliz matrimonio sin tirarse palos el uno al otro. Para empezar con la música latina, recomendaría una conga porque cuando uno empieza a oír el tumbao, uno entra en sabor”.

Gregg Bisonette.

 

En la previa de una de las tantas clínicas en Buenos Aires, la entrevista fue publicada en la revista Music Shop (N° 53 – Año 2000)

¿Podrías explicarnos la importancia del estudio del tambor en la batería?
“Cuando era más joven, todos los bateristas que me gustaban eran Buddy Rich, Louie Bellson, Tony Williams, y Billy Cobham, todos ellos con gran técnica y verdadera pasión. Cuando estaba en la secundaria trabajé con varios métodos de tambor, y se hacían competencias entre los bateristas de las escuelas. Los jueces eran los grandes tambores de las orquestas sinfónicas. Tocábamos los ejercicios y te decían: 8 puntos en dobles; 9 en paradiddles; 6 en flam taps, etc. También teníamos que tocar lecciones llenas de rudimentos con pasajes realmente difíciles. Luego, ya un poco más grande, comprendía que aquello fue una gran escuela para mí. Es bueno tener técnica, pero más importante es saber cómo usarla. Lo mejor es tener dominio de los silencios, del espacio. Soy gran fanático de Los Beatles, Rolling Stones, Eagles, todos ellos con bateristas sencillos. Considero que más importante que tener técnica, hacer fills y solos rápidos, es hacer que la gente baile. Sin ofender a nadie, la batería es el único instrumento capaz de hacer bailar. Sin ir más lejos, ¡Que ocurre en África? La gente baila y canta al compás de los tambores. Para mí, lo mejor que puede sucederme es que cuando toco, la gente se ponga a bailar”.

¿Entonces habría que conseguir un balance entre técnica y feeling?
“Amo tocar cosas con rudimentos, amo tocar jazz, y cuando estoy tocando jazz, por ejemplo, Glenn Miller, los padres dicen: ¡Ohhh! Es fantástico, mientras que los chicos se duermen (risas). Cuando toco en colegios segundarios, los temas que le gustan como Van Halen, o Aerosmith, se mueren todos. Todos bailan, se divierten, ese es el sentido de la música para mí. Lo más importante es tocar en función de la banda, lo mismo ocurre con las letras, el vocalista no puede estar cantando y vos haces un fill: ¡Brrrrrrrrrrrr! por toda la batería. Hay que saber respetar el espacio y el tiempo de cada uno. Escuchá el fill de Ringo en “Drive my Car” durante las letras, es fantástico, ocupa el lugar que tiene que ocupar, no molesta a nadie. En síntesis, la técnica es importante, pero hay que saber cuándo usarla y cuando no”.

¿Qué concepto utilizas con el doble pedal?
“Hace mucho tiempo que toco doble bombo, doble pedal, pero como recién decíamos, todo debe ser utilizado en el momento justo. Podés escuchar a músicos que te dicen: “me compré un doble pedal para navidad” (risas). Y como es un juguete nuevo lo utilizan todo el tiempo. Imginá tocar “Honky Tonk Women” (canta): Cum, pa, cum cum pa, tucutucutucu… (risas), sinceramente suena horrible. Yo lo utilizo en solos, o en la canción que lo pida. Si viste mi video “Private Lesson”, cuando tengo que interpretar por largos períodos comienzo con mi pierna izquiera, ya que está acostumbrada a tocar corcheas en hi hat. Cuando tengo que tocar frases cortas, semicorcheas, comienzo con mi pierna derecha porque está acostumbrada a tocar corcheas y agrego las dos faltantes con la izquierda, es mucho más fácil. También me gusta desarrollar frases con el pie izquierdo conjuntamente con el hihat, se pueden armar cosas muy interesantes”

¿Que podrías decirnos acerca de la lectura musical?
“Es muy importante. He trabajado un montón en bandas de sonido de películas, shows para televisión, jingles, etcétera, y para ello hay que leer, y leer bien. Leer a distintas velocidades, con cambios de tiempo, diferentes métricas y dinámicas si querés dedicarte a ser músico de sesión. Hay algunos músicos que no necesitan leer para demostrar lo que son. Buddy Rich no leía, Dennis Chambers es otro que no lee y no podemos decir que no tocan (risas). A mí la lectura me ayudó muchísimo, pero si querés trabajar en los estudios, es absolutamente necesario”.

Sabemos que te gustan los ritmos latinos y que estudiaste con José “Changuito” Quintana… ¿podrías contarnos tu experiencia?
“Seguro. Yo no hablo español, y Changuito no habla inglés, así que nos entendíamos muy bien (risas), afortunadamente contábamos como a traductor a Michito Sánchez, gran percusionista y amigo. Changuito es muy severo como profesor, es popular su mal carácter. Te pasa los patterns, los movimentos a emplear y vos le decís: Ok, lo saco en casa y él dice: NO, ahora… Y comenzás a transpirar porque no te salen las cosas (risas). Es un excelente profesor, me ayudó un montón a comprender la esencia de la música cubana, sin duda un gran maestro”.

Esta pregunta es personal. Creo que el solo que tocaste con Brandom Fields es uno de los mejores que escuché ¿Podrías contarnos que ideas te han inspirado?
“Muy agradecido por el reconocimiento. Cuando me mudé a Los Angeles fui a ver a mi baterista favorito que es Vinnie Colaiuta. Él es increíble, puede tocar bien todos los estilos: rock, pop, jazz, be bop, latino, todo lo que se propone lo toca bien. En el tema que mencionas “Brain dance” (del álbum “The other side of te history”), tomé muchas cosas de Vinnie y de todos mis bateristas favoritos. Por ejemplo, la introducción es en estilo de Alex Acuña, tomé cosas de Terry Bozzio, de Tony Williams. De Vinnie y Terry tomé los quintillos de corcheas, ya que ellos tocaron “The Black Page” con Frank Zappa, probablemente una de las piezas más difíciles que escuché, llena de polirrítmias y valores irregulares. Traté de combinar todas estas ideas con mi estilo, y el resultado está a la vista”.

¿Qué rescatas de cada estilo musical en lo que te viste involucrado?
“Acabo de editar un nuevo CD solista “Submarine” que fue grabado en el nuevo sello de Steve Vai (www.favorednations.com) y lo mejor que pudo sucederme es que Steve dijera: “tocá lo que quieras”. En cualquier otro sello hubiese tenido que hacer un disco de rock, pop, fusión o lo que fuere. Mi estilo favorito es el pop rock. En el disco canto tres canciones, toco trompeta en “No hay parqueo”, en otro toco tablas ya que las estudié un tiempo. Me encanta tocar shuffle estilo Texas, el tema que toco con Steve es en 7/8, de todo un poco. Casi todo el disco lo grabé con la Mapex Orion, y en otros temas utilicé la más económica, la V series. Siempre estoy tratando de aprender en todos los estilos: música afrocubana, étnica, de los bateristas de jazz, de los bateristas de rock. Amo todos los estilos musicales y quienes la ejecutan. Otro increíble es Stewart Copeland porque combinó inteligentemente el rock con el reggae, y el ska. Santana es otro increíble, él es mexicano y puso toda la fuerza de la música latina en el rock. Tony Williams es la fusión perfecta dentro del jazz porque tomó el be bop de Miles Davis combinándolo con el rock de Jimi Hendrix y de ahí salió Lifetime. En fin, toda la música es verdaderamente excitante”.